‘High Looking Up’ es el primer disco del sevillano Filipendulae, un músico y productor que comienza una nueva etapa artística bajo un nuevo nombre y que define su música como «queer dream art pop flop»
Es una incógnita en un pentagrama. Su nombre es Carlos, pero desde hace un tiempo todo el mundo le llama Fili. «Carlos es el nombre que me pusieron y hay parte ahí de mi pasado que a lo mejor quiero dejar atrás. Me siento cómodo con Fili». Este es un diminutivo de su nuevo nombre artístico: Filipendulae. Parte del nombre científico de una polilla y, además, un nombre que guarda un simbolismo con esta nueva etapa artística que comenzó con simplificarlo todo y componer canciones desde lo más sencillo: una guitarra con una sola cuerda. Sin padrinos artísticos ni musicales, sin hacer mucho ruido, el sevillano Filipendulae saca su primer disco, ‘High Looking Up’ (Lunar Discos). Una mezcla de grunge, pop y club que el propio Fili define como «queer dream art pop flop».
¿Por qué es tan importante el nombre de Filipendulae para este proyecto?
Aparte de ser una extensión de mi expresión creativa, es la oportunidad de poder elegir mi propio nombre. Luego, por un lado, está la traducción del latín: algo que pende de un hilo. También es parte del nombre científico de una polilla que me gustaba mucho de pequeño. A mí siempre me han gustado mucho las mariposas, las polillas, las flores, la naturaleza en general, desde pequeño. Hace unos ocho años o así yo tenía otro nombre artístico, pero no sentía conexión con él. Revisando cosas de mi infancia me encontré con un libro sobre naturaleza, mariposas, etc. Y ahí encontré este nombre. Significa algo que se puede mirar desde muchos puntos, porque sí que pende de un hilo, pero también lo puedes pensar como que todo está unido por un hilo. También el tema de que este disco está hecho con una guitarra de una cuerda… Al final, lo veo en muchos sitios.
También fue un acto de reivindicación. En el instituto sufrí mucho bullying por ser gay. O sea, se me decían maricón constantemente. Mariquita, mariposón y todo eso. A mí siempre me gustó dibujar mariposas, dibujar flores. Para protegerme, tuve que dejar atrás muchas partes de mí mismo. Eso incluido. Y bueno, ya de mayor, hay ciertas cosas que si tú las retomas puedes darle otro significado. Le estás quitando el poder al insulto. Y puedes hacer algo bonito de algo doloroso. Además, era volver a algo que a mí me ha gustado de siempre. Y… se quedó.
Venías además de una etapa artística algo complicada, también querías romper con todo aquello.
Me llevó unos seis años de trabajo constante diario y de sacrificio, por tal de tener tiempo de seguir haciendo aquel disco. Fueron años de escribir, simplemente sentado delante del piano, sin ordenador, sin nada. Después lo grabé y me llevó otros tres años de producción de lo que había grabado. Un proceso que se estaba complicando cada vez más, porque yo tenía una meta, que era intentar hacerme ver como un artista plenamente desarrollado. Al final, me fui perdiendo en la etapa de producción. Habían pasado ya seis años desde que había escrito estas canciones y ya no estaba tan entusiasmado por seguir con ellas. Estaba trabajando con unos proyectos de unas 200 pistas, casi. Canciones de seis, o siete minutos… Me generaba ansiedad y yo lo que quería era escribir lo que sentía en el momento, pasar a lo siguiente.
¿Cuál es tu relación con la música, tu bagaje? ¿Por qué sentías que querías reivindicarte como artista?
Vengo de una relación un poco extraña con la música, porque en el colegio era la única asignatura que suspendía. Odiaba a mi profe de Música, odiaba las clases. Era horrible. Yo me perdía, me obsesionaba con canciones y las escuchaba en bucle. En aquel entonces escuchaba mucho a Lady Gaga, fui su fan número uno. Desde los 11 años hasta los 19 o así. Siento también que en esos años se despertó mi sueño de hacer música. Lady Gaga fue la figura de mi generación, igual que lo fue Madonna o Britney para otras. Ella sembró en mí una intuición. La de cuestionar lo que se me dice, eso de que está mal ser como soy. Con las identidades queer, por mucho que tú te aceptes a ti mismo, siempre se te van a estar recordando desde fuera que no, que no está bien. Así que tuve una obsesión absoluta con Gaga.
Sobre los 13 yo ya hacía instrumentales, hacía beats. O sea, como productor. Ahí empecé a hacer música. Estaba abriendo el abanico a otras cosas. Sentía mucha curiosidad por cosas nuevas. Y empecé a escuchar de todo. Empecé también a desarrollarme más como escritor. Y a experimentar con cada canción, para explorar algo nuevo.
¿Ahí ves claro que te gustaría vivir de la música?
Lo difícil que es vivir de esto. Lo precaria que puede ser tu vida indefinidamente porque no sabes si vas a poder vivir de la música y tienes que tomar decisiones, dedicar tu tiempo enteramente a este trabajo. A raíz de empezar en la producción, empecé a pensar: cómo lo hago. Yo no tengo familia musical, la mía no es una familia de dinero. Me he criado en el campo. Al lado de un pueblo. Hasta hace poco yo no tenía contacto con la industria, con la escena de Sevilla. No he colaborado con nadie. Siempre he buscado mi forma de hacer las cosas. Ahora sí que me estoy poniendo en contacto con músicos de escena. Este es un proyecto que nace en mi cuarto, en mi casa. Ahora es cuando me estoy abriendo a otras posibilidades, como montar una banda, por ejemplo. Me estoy abriendo a la posibilidad de que sea un trabajo más colaborativo.
Para llegar a Filipendulae tienes que hacer un reseteo de todo lo anterior. ¿Cómo es ese proceso?
Tenía hambre de hacer algo nuevo, de explorar mundos sonoros nuevos y emocionales y de expresar lo que estaba sintiendo en el momento. Y estaba tan cansado y tan quemado de mi proceso de ese momento que fue como, en cierto modo, empezar de cero pero con todas las herramientas. Ya sabía escribir, producir, grabar, mezclar. Yo no tengo un patrón, una fórmula. En aquel entonces escuchaba mucho a Mitski, una pianista que escribe bastante canciones a la guitarra, sin saber tocarla. Ella afina la guitarra a la misma nota y toca como si fuera una línea de bajo, cantando encima para centrarse en la melodía vocal y en las letras.
A partir de esa idea, construí todo lo demás. Antes me perdía a mitad del proceso, intentaba acordes muy raros al piano. Tirando de esa idea, caí en que tenía una guitarra guardada. Pensé: le meto un micro dentro y pruebo. ¿Qué pierdo? Y grabé la primera del disco, súper nueva, en dos semanas. Así que me puse una meta: cada dos semanas hay que tener una canción nueva. Y seguí, seguí, seguí. Al principio no tenía en mente que eso fuera a ser el sonido final, pero aquello me inspiró.
¿No estabas pensando en un disco?
No, al principio no lo pensaba, solo me centraba en las canciones. Al final, cuando vi que tenía muchas y podía tener un disco, me gustaron 12 de 13 que hice. Pero seguía sin posibilidades de nada: no conocía a nadie, no sabía si iba a moverse el disco.
Siguiendo esa idea, utilizas una guitarra con tan solo una cuerda. ¿Por qué?
A ver, al principio tenía todas las cuerdas. Era una guitarra que me compré por 50 euros cuando estaba haciendo el otro disco. Me dije: bueno, a lo mejor puedo aprender algún acorde y meterlo en las canciones. Pero eso no pasó nunca. Luego empecé con este proceso inspirado por Mitzki, como ejercicio de limitación creativa. Al final, compuse canciones tan rápido… ¡y me gustaban! Estaba satisfecho. Fue un ejercicio de desapego, de catarsis.
Simplificarlo todo.
Sí, porque viendo lo que me había pasado antes, cuando me doy todas las herramientas del mundo, como el Ableton y todas esas librerías de sonido, la idea de no tener límites, de seguir poniendo capas y capas… Al final, eso fue un dolor de cabeza.
¿Cómo llegas a este sonido del disco? Suena como si estuvieras de noche perdido por Londres y entraras en un garito con música en directo: club, grunge, pop.
Me encanta que cada uno le ponga la imagen que le inspira, igual que con las letras, porque las letras son un poco abiertas, aunque para mí tienen un significado. Me gusta que se pueda cada uno montar su propia historia. Es verdad que al final el sonido lo he visto más en retrospectiva. Desde hace unos cuantos años casi no puedo escuchar música. Voy más por artistas: PJ Harvey, Bjork, Fiona Apple, Ambiente, Brian Eno, My Bloody Valentine. La última época en la que yo todavía estaba escuchando música si tuve una obsesión con el shoegaze, intentando replicar un poquito ese sonido aunque nunca lo conseguí. Al final, el sonido ha sido bastante intuitivo, aunque bebe de todo eso.
Hay otra parte importante de tu propuesta: la performance escénica.
Siempre me han gustado artistas que a la hora de subirse al escenario dan algo más, también me gustan artistas que simplemente salen al escenario a cantar, pero siento que va conmigo, con mi tendencia dramática y de querer como contar una historia con algo más. Querer conectar también corporalmente, extender la música. Soy bastante expresivo con la cara cuando canto y tal, y en un principio lo veía forzado o ridículo, pero después, digo yo que sé: soy así, soy yo. Estoy expandiendo la música con el cuerpo. Para el primer show de esta etapa [con Lord Malvo] estuve una semana en el centro de creación coreográfica de Sevilla. Ahí se terminó de materializar esto, porque antes tan solo era yo en mi cuarto haciendo lip sync delante del espejo, simplemente.
Sobre la profesionalización del proyecto: ¿Cómo surge la conversación con el sello, la búsqueda del management?
Cuando estaba ya terminando el disco dije: quiero dar una oportunidad de verdad a este proyecto, profesionalizarme. Empecé a hacer un cribado en Internet de emails de contactos a los que mandar el disco. Durante mucho tiempo tuve cero respuestas, claro. Todas las expectativas del mundo pero cero respuestas. No respondía nadie. No recuerdo exactamente en qué punto, pero yo trabajo en una tienda de arte y mi jefe antes era músico; él escuchó el disco, le gustó y me dijo: mándaselo al manager de Lunar Disco. Ahí empezó a rodar el proyecto.
¿Cómo te sientes, ahora que por fin está publicado y puede escucharlo la gente?
Estoy un poco igual. A veces soñaba con que cuando tuviera mi disco podría hacer lo que quisiera: moverlo, tocar. Me saldrían un montón de oportunidades. Pero este es un camino en el que hay que ir muy poco a poco. No va a cambiar mucho, de repente. Sigo trabajando igual, ya estoy haciendo otro disco nuevo, algo que empecé hace tiempo… Me siento más libre, tengo más espacio en la mente para el siguiente disco.